Sala Cinemateca

Los ciclos de este mes: -Kieslowski: la trilogía de los colores-El Godard…¿mainstream? -Richard Linklater:¿un dependiente?

Lorenzo Carnelli 1311 - Tel: 24195795

 

Kieslowski: la trilogía de los colores

Es posible que cuando el polaco Krzysztof Kieslowski convenció a sus productores franceses que le financiaran una trilogía de películas que incluían en su título los tres colores de la bandera francesa los haya engañado con toda intención. Sin duda halagó al patriotismo francés. pero es menos obvio que esos colores tengan que ver realmente con Francia , y sí mucho, en cambio, con el universo personal de Kieslowski , volcado a reflexiones existenciales y hasta algún matiz espiritualista. Por supuesto, las intenciones son lo de menos. Lo que importa, aquí y en otros lados, es el resultado artístico: tres películas de sólida factura, que funcionan como historias independientes pero que también se relacionan sutilmente, con la idea de un titiritero invisible, tal vez Dios (visibilizado en el tercer episodio en el juez encarnado por Trintignant) que acaso manipula el destino de los personajes, y convocan la emoción y la reflexión de su espectador. Hacía tiempo que no se tenía la oportunidad de verlas las tres juntas , y aquí están.

Abril 15, domingo. A las 17.45, 19.30 y 21.15 hs.

BLEU

(Trois couleurs: Bleu)

Dir: Krzysztof Kieslowski.
Polonia/ Francia 1993 - 94 min. (Digital).
Con Juliette Bihocne, Benoit Regent, Florence Pernel.

La muerte de esposo e hija en un accidente sumerge a la protagonista en la desesperación. Saldrá de ella en un lento proceso que implica también la apertura hacia los demás, entre símbolos cristianos, citas de San Pablo y la música como presencia invasora.

Abril 16, lunes. A las 17.50, 19.30 y 21.10 hs.

BLANC

(Trois couleurs: Blanc)

Dir: Krzysztof Kieslowski.
Polonia/ Francia 1993. - 88 min. (Digital).
Con Zbigniew Zamachowski, Julie Delpy, Janusz Gajos.

Peluquero polaco sexualmente impotente tramita en Francia su divorcio de una esposa nativa, con resultado casi kafkiano. Según do e irónico capítulo de la trilogía, con algunos de los desconciertos y las inseguridades de los europeos de hoy, o de hace un rato.

Abril 17, martes A las 17.45, 19.30 y 21.15 hs.

ROUGE

Dir: Krzysztof Kieslowski.
Polonia/ Francia 1994. - 95 min. (Digital).
Con Irene Jacob, Jean-Louis Trintignant, Fréderique Feder.

Una joven estudiante y un juez cansado y cínico. Este último es acaso la imagen de un Dios incomprensible y caprichoso, temible pero en último término acogedor, que empuja secretamente el destino de los personajes. Final de la trilogía de Kieslowski.

 

El Godard…¿mainstream?

Una encuesta de la revista Entertainment Weekly lo proclamó cierta vez “el más importante realizador cinematográfico de todos los tiempos”, aunque cinco minutos después de que esa afirmación fue impresa surgieron las discrepancias, y es probable que hoy nadie avalara ese dislate, incluyendo el propio Jean Luc Godard, quien ha llegado a afirmar que “el cine nació con Griffith y murió con Abbas Kiarostami”. Como él sigue vivo, hay que entender que se considera fuera de concurso. Esa es, en todo caso, una más de las polémicas que Godard ha podido provocar a lo largo de su trayectoria, una de las más variadas, creativas, desparejas, contradictorias y por cierto discutidas de la historia del cine. Los períodos de esplendor y de eclipse se han alternado en el correr de esa trayectoria, que incluyó un comienzo como crítico, la confección de un cine muy personal, una ruptura con el establishment y una opción por el cine militante, el posterior desencanto de esos radicalismos, la vuelta a un cine (digamos) “normal” y algunos vaivenes más recientes. Denostado por algunos, aclamado como un genio por otro sector de la crítica, su talento inquieto, contradictorio, fascinante, discutible y con frecuencia irritante está en el centro de muchas transformaciones en el universo del cine del último medio siglo. Puede no gustar, pero es difícil librarse de él. Nacido en París en 1930, cursó estudios en Suiza y en el Liceo Buffon de París. Diplomado en Etnología, pronto comprendería empero que el cine era su verdadera vocación. En la Cinemateca Francesa conoció a André Bazin, François Truffaut, Jacques Rivette y Eric Rohmer, y en 1950 comenzó a colaborar como crítico (bajo el seudónimo de Hans Lucas) en la Gazette du Cinéma. Tras un viaje por América trabajó como obrero en Suiza y desempeñó pequeños papeles en cortometrajes dirigidos por sus amigos Rivette y Rohmer, antes de comenzar una obra propia que dio inicio en 1954 con el cortometraje Operation Béton, al que seguirían otros (Une femme coquette, 1955; Tous les garçons s’appellent Patrick, 1957; Une histoire d’eau, 1958, este último dirigido en colaboración con François Truffaut) Paralelamente desarrolló en Cahiers du Cinéma una labor crítica de particular agresividad. En 1959 saltó al largometraje con Sin aliento, un título mayor que lo colocó junto a Truffaut (que hizo al mismo tiempo Los cuatrocientos golpes) a la cabeza del movimiento conocido como Nouvelle Vague, una tendencia de ruptura alimentada fundamentalmente por los jóvenes críticos de Cahiers. Seguirían El soldadito (1960, pero demorada por la censura hasta 1963), Una mujer es una mujer (1961), Vivir su vida (1962), el episodio El nuevo mundo de RoGoPag (1962), Los carabineros (1963), El desprecio (1963), Asalto frustrado (1964), La mujer casada (1964), Alphaville (1965), Pierrot le fou (1965), Dos o tres cosas que sé de ella (1966), La chinoise (1967) En ese momento, uno de sus exégetas pudo definirlo así: “Cineasta del instante, sus films fueron el resultado de la yuxtaposición de una serie de “momentos de verdad” privilegiados, obtenidos a través de una técnica de improvisación que tiende a confundir a sus actores con los personajes, cuyo lenguaje deja de ser un medio de comunicación para convertirse en un elemento expresivo. Su síntesis se llevó a cabo a través de un verdadero collage dialéctico, a medio camino entre el montaje de atracciones de Eisenstein y la estética del pop art, hecha de la unión de los elementos más dispares (ruptura del tono de la comedia a la tragedia y viceversa, citas de todas clases), en busca de la representación de un equilibrio inestable entre el personaje y el mundo que lo rodea, y del incesante devenir de ambos”. En 1968 Godard rompió con el cine que había hecho y con la vida que había llevado y se fue con los guerrilleros palestinos, y como documentalista de movimientos sindicales y manifestaciones de protesta en Inglaterra, Estados Unidos, Italia y Francia. Llegó a ser incluso uno de los apóstoles de la Revolución Cultural maoísta, antes de entender que no se trataba de un movimiento popular sino de una manipulación “desde arriba” digitada por un líder en decadencia que trataba de librarse de rivales políticos molestos y mantenerse en el poder pese a la cadena de errores garrafales (el denominado Gran Salto Adelante) de la que sensatamente se le responsabilizaba. Para entonces, Cahiers du Cinéma, revista en la que Godard ya no escribía, se había vuelto también maoísta e ilegible. Una década más tarde, Godard volvió al redil (es una forma de decir: si hay algo indiscutible a su favor es que no tiene ciertamente mentalidad de rebaño) a partir de un film como Sauve qui peut la vie, que él mismo ha llamado “su primera nueva película”. Pero los tiempos habían cambiado, y de alguna manera entendió que había menos espacio para él. El cine globalizado nunca fue el mismo después de 1977, año de la entronización de los Lucas y los Spielberg y del agotamiento del impulso de buena parte del secentismo. La imagen que proporciona el Godard posterior es con frecuencia el de un ensayista encerrado en su torre de marfil, desde la que emite, periódicamente, reflexiones que a veces resultan interesantes y a veces no, pero cuando ha logrado salir de ella ha sido por las razones equivocadas. En los ochenta generó un miniescándalo con Yo te saludo María, una película mucho menos transgresora de lo que creyeron sus enemigos que no se molestaron en verla y condenaron la blasfemia (a discutir) y la pornografía (inexistente) que presuntamente contenía. El presente ciclo reúne sólo una parte de la obra de Godard, y prescinde deliberadamente de dos bloques importantes: el de sus films más militantes (que podrían ser el objeto de otro ciclo, quizás centrado en el mayo francés de 1968 y sucursales), y el de sus ensayos tipo Histoires du cinema (que son también otra historia) También omite sus cortos para films colectivos, cuya búsqueda hubiera dado más trabajo a los muchachos del Archivo. Por otra parte, el título es deliberado: se trata del cine más mainstream de Godard, si es que el término le puede ser aplicado, otro punto a discutir.

Abril 19, jueves A las 17.55, 19.30 y 21.05 hs.

SIN ALIENTO

(A bout de souffle)

Dir: Jean-Luc Godard.
Francia 1959. . -86 min. (Digital).
Con Jean Paul Belmondo, Jean Seberg, Daniel Boulanger.

El primer largo de Godard, y acaso el que mostró un mayor equilibrio entre forma y contenido. La carrera sin aliento de un ladronzuelo hasta la muerte, con un lenguaje de ruptura ajustado precisamente a su tema. Otro de los títulos básicos de la Nouvelle Vague.

Abril 20, viernes A las 17.50, 19.30 y 21.10 hs.

EL SOLDADITO

(Le petit soldat)

Dir: Jean-Luc Godard.
Francia 1960. - 88 min. (Digital).
Con Michel Subor, Anna Karina, Henri-Jacques Huet

Atrapado entre la OAS y el FLN argelino, el protagonista, que es todo un individualista, despierta razonables sospechas en ambos bandos. Puede ser un agente doble, lo torturan, toma finalmente el partido equivocado. Realidad e ilusión se mezclan, reflejando algunas confusiones que eran acaso las del propio Godard en 1960.

Abril 21, sábado. A las 17.55, 19.30 y 21.05 hs.

UNA MUJER ES UNA MUJER

(Une femme est une femme)

Dir: Jean-Luc Godard.
Francia 1961 - 83 min. (Digital).
Con Jean-Paul Belmondo, Anna Karina, Jean-Claude Brialy.

Atrapado entre la OAS y el FLN argelino, el protagonista, que es todo un individualista, despierta razonables sospechas en ambos bandos. Puede ser un agente doble, lo torturan, toma finalmente el partido equivocado. Realidad e ilusión se mezclan, reflejando algunas confusiones que eran acaso las del propio Godard en 1960.

Abril 22, domingo. A las 17.55, 19.30 y 21.05 hs.

VIVIR SU VIDA

(Vivre sa vie)

Dir: Jean-Luc Godard.
Francia 1962 - 84 min. (Digital).
Con Anna Karina, Saddy Rebbot, André S. Labarthe.

Hasta aquí Godard especulaba con las posibilidades de la imagen para aportar la apariencia exterior de un mundo interior poco descifrable. A partir de ahora intentará una aproximación cada vez más crìtica a las realidades íntimas de los personajes, que luego ampliará hasta un cuestionamiento de toda la sociedad.

Abril 23, lunes. A las 18, 19.30 y 21 hs.

LOS CARABINEROS

(Les carabiniers)

Dir: Jean-Luc Godard.
Francia 1961 - 83 min. (Digital).
Con Jean-Paul Belmondo, Anna Karina, Jean-Claude Brialy.

Atrapado entre la OAS y el FLN argelino, el protagonista, que es todo un individualista, despierta razonables sospechas en ambos bandos. Puede ser un agente doble, lo torturan, toma finalmente el partido equivocado. Realidad e ilusión se mezclan, reflejando algunas confusiones que eran acaso las del propio Godard en 1960.

Abril 24, martes. A las 17.35, 19.30 y 21.25 hs.

EL DESPRECIO

(Le mÉpris)

Dir: Jean-Luc Godard.
Francia 1963 - 103 min. (Digital).
Con Brigitte Bardot, Michel Piccoli, Fritz Lang.

Cine dentro del cine, con un homenaje al viejo maestro Lang y una reflexión sobre el mito Brigitte, lejanamente inspirada en Alberto Moravia. De hecho un film de Godard, que rompe formas, entrelaza niveles de realidad y ficción y a veces divaga.

Abril 26, jueves. A las 17.40, 19.30 y 21.20 hs.

MASCULINO-FEMENINO

(Masculin-Feminin)

Dir: Jean-Luc Godard.
Francia 1966. - 100 min. (Digital).
Con Marlene Jobert, Jean-Pierre Léaud, Chantal Goya.

. Hombres, mujeres, las confusiones de vivir en una sociedad complicada, a través de una form que tiene mucho de collage, superpone carteles publicitarios, contrapone imagen y sonido y deja en el aire varios desconciertos. Así era la sociedad francesa en 1966, según Godard.

Abril 27, viernes. A las 18, 19.30 y 21 hs.

MADE IN USA

(Made in USA)

Dir: Jean-Luc Godard.
Francia 1961 - 81 min. (Digital).
Con Anna Karina, Laszlo Szabó, Jean-Pierre Léaud.

Godard contempla críticamente la invasión de Europa por la cultura norteamericana, y sus alarmas se expresan en un collage de imágenes, carteles de neón, palabras cortadas que adquieren sentidos inesperados, dos o tres cosas que cree saber de la ciudad y sus habitantes. Un collage de opiniones e imágenes donde los personajes intercambian confidencias con el público, tanto en forma de testimonio como de abierta confesión.

Abril 28, sábado. A las 17.50, 19.30 y 21.10 hs.

DOS O TRES COSAS QUE SE DE ELLA

(Deux ou trois choses que je sais d’elle)

Dir: Jean-Luc Godard.
Francia 1961 - 88 min. (Digital).
Con Marina Vlady, Anny Duperey, Robert Montsoret.

“Ella” es París, y Godard cuenta dos o tres cosas que cree saber de la ciudad y sus habitantes. Un collage de opiniones e imágenes donde los personajes intercambian confidencias con el público, tanto en forma de testimonio como de abierta confesión.

Abril 29, domingo. A las 17.45, 19.30 y 21.15 hs.

LA CHINOISE

(La chinoise)

Dir: Jean-Luc Godard.
Francia 1967 - 96 min. (Digital).
Con Anne Wiazemsky, Jean-Pierre Léaud, Michel Semeniako.

Maoístas franceses juegan con aviones de juguete y leen el Libro Rojo, que es también repetido desde la banda sonora. Anterior al Mayo francés de 1968, el film anticipa empero algunas de sus turbulencias, entre ellas la ruptura de las formas establecidas, políticas y (para el caso) cinematográficas.

Abril 30, lunes. A las 17.30, 19.30 y 21.30 hs.

YO TE SALUDO MARÍA

(Je vous salue Marie)

Dir: Jean-Luc Godard.
Francia 1967 - 108 min. (Digital).
Con Myriem Roussel, Thierry Rhode, Philippe Lacoste.

Cómo la Virgen María queda embarazada en el París contemporáneo, en una suerte de parábola filosófica (no siempre convincente) menos blasfema y menos irrespetuosa de lo que creyó en su momento.

Mayo 3, jueves. A las 17.45, 19.30 y 21.15 hs.

ELOGIO DEL AMOR

(Éloge de l’amour)

Dir: Jean-Luc Godard.
Francia 2001. - 94 min. (Digital).
Con Bruno Putzulu, Cécile Camp, Jean Davy

El cine, realidad y ficción, autores en busca de un personaje (o viceversa) y Godard que plantea una reflexión intelectual y casi abstracta sobre la imagen, la pareja y el amor. Un ensayo en imágenes, discutible, polémico, a veces irritante, pero con ideas.

RICHARD LINKLATER:¿UN DEPENDIENTE?

Caso extraño el de Richard Linklater. Tras haber dado sus primeros pasos en el cine con películas formalmente experimentales y de bajo presupuesto, la crítica lo describió como uno de los grandes “directores alternativos”, como Steven Soderbergh o Darren Aronofsky, aunque el tiempo probaría que era más interesante que cualquiera de los dos. Su figura se consolidó rápidamente como un referente del llamado “cine independiente”, aunque muchas de sus películas fueran financiadas por los grandes estudios. Sin embargo, Linklater rehúsa aceptar etiquetas. “Yo soy en el fondo como todos los demás directores de cine: dependiente. Porque todos los directores de cine dependen de que alguien crea bastante en ellos para poder tener dinero y hacer una película. La diferencia, el dilema que se les presenta a los cineastas, es luchar por hacer tu propia película no por hacer la película de otro. Algo que yo nunca hice”. Su autodefensa no es en vano. Reiteradamente, la crítica le reprochó a este tejano haber olvidado sus raíces. No por el lenguaje cinematográfico utilizado, siempre innovador, sino más bien por sus relaciones con la industria. “Hice mi primera película con tres mil dólares”, ha dicho Linklater. “Luego hice Slacker con mi propio dinero, tarjetas de crédito y pidiendo dinero para hacer el film. Desde entonces siempre consigo dinero para hacer películas, sea a través de Universal, Castle Rock o Fox. Para hacer una película acepto dinero de cualquiera. Todas mis películas las terminé en mi propio estudio. Financie quien las financie, todas mis películas tienen el mismo espíritu”. Linklater es un acérrimo crítico de lo que ahora se conoce como cine independiente. No comparte esa idea de que el cine independiente debe ser necesariamente de bajo presupuesto. “Pueden llamarlos independientes o de estudio, pero todos mis films son iguales. Aunque el presupuesto sea mayor. Muchos creen que la verdadera definición de independiente es que los films se autofinancien algo así como no aceptar dinero de la industria, porque ya sea que se acepten quinientos mil dólares o sesenta millones se construyen una relación con el financista. Para mí la clave para ser independiente es el tipo de relación que se construya”, subraya el director. Y agrega con ironía: “Con esa idea economicista, entonces, lo único verdaderamente independiente sería la pornografía, que se autofinancia y se distribuye de manera independiente”. Para entender mejor su pensamiento, Linklater recuerda su película La pandilla Newton (1998), que dispuso de un presupuesto millonario y no satisfizo las expectativas de su empresa productora Universal. “La única diferencia que sentí con las demás películas era que tenía un presupuesto de 27 millones. Era demasiado para mí. Mi mayor presupuesto anterior había sido de seis millones para Rebeldes y confundidos. Esa fue la mayor y única discrepancia entre lo que tenía y lo que realmente necesitaba”. “Todas mis películas son autobiográficas”, sostiene igualmente Linklater. “La disputa entre cine independiente o comercial es en el fondo una tontería. Cuando veo una obra de Martin Scorsese veo allí el espíritu independiente porque hace su propia película, la que pensó en la preproducción. Lo mismo con James Cameron en Titanic, ya que es una película del director. Otra cosa es hacer películas de género o de bajo presupuesto. Ser independiente tampoco es hacer solamente películas de tu barrio o sobre cuestiones personales. No me gusta volver a filmar nada, ninguna escena ni cuadro. Nunca lo hice ni lo haré. No digo que no lo haría si veo que algo no funciona en la película. Pero no me dejo influenciar por los estudios”. En el presente ciclo, bastante representativo (aunque falta alguna cosa más reciente como la interesante aunque sobreestimada Boyhood) hay varias pruebas de lo afirmado.

Mayo 4, viernes. A las 17.45, 19.30 y 21.15 hs.

REBELDES Y CONFUNDIDOS

(Éloge de l’amour)

Dir: Richard Linklater
EEUU 1993 - 94 min. (Digital).
Con Jason London, Wiley Wiggins, Sasha Jenson.

La evocación de varias existencias entrecruzadas a mediados de los setenta en una Texas suburbana. No es difícil sospechar algún componente autobiográfico en este ejercicio del texano Linklater que sabe equilibrar el humor, la emoción y un saludable desenfado. Un Linklater inicial e inquieto.

Mayo 5,sábado. A las 17.40, 19.30 y 21.20 hs.

ANTES DEL AMANECER

(Before Sunrise)

Dir: Richard Linklater.
EEUU 1995. - 94 min. (Digital).
Con Ethan Hawke, Julie Delpy.

Un estudiante norteamericano y una joven francesa se conocen durante un viaje a Viena, viven una fugaz historia de amor y prometen reencontrarse pronto. Pasará una década y hará falta otra película superior (Antes del atardecer) para que ese encuentro finalmente ocurra, pero éste es un buen punto de partida.

Mayo 6, domingo. A las 17.45, 19.30 y 21.15 hs.

SUBURBIA

(Éloge de l’amour)

Dir: Richard Linklater.
EEUU 1996. -93 min. (Digital).
Con Giovanni Ribisi, Steve Zahn, Annie Carey.

Otra crónica coral de alienados veinteañeros en ambiente suburbano, y en especial las fricciones que surgen cuando reaparece un viejo compañero convertido en estrella rockera. Sensible, inteligentemente escrita, bien actuada, un poco teatral.

Mayo 7, lunes. A las 17.40, 19.30 y 21.20 hs.

DESPERTANDO A LA VIDA

(Waking Life)

Dir: Richard Linklater
EEUU 2001.-93 min. (Digital).

Primera experiencia de Linklater con el rotoscope, procedimiento que fuera empleado previamente (y más imperfectamente) por Ralph Bakshi, y que consiste en el dibujo de animación sobre imágenes reales. Un experimento quizás intelectualmente fallido pero formalmente brillante que el director ampliaría enUna mirada en la oscuridad.

Mayo 8, martes. A las 17.55, 19.30 y 21.05 hs.

TAPE

(Tape)

Dir: Richard Linklater.
EEUU 2001 -83 min. (Digital).
Con Giovanni Ribisi, Steve Zahn, Annie Carey.

Tres viejos amigos recuerdan los penosos tiempos de la secundaria, un pasado al que nadie quiere volver. Un ejercicio minimalista, simple y poderoso a la vez, reducido a tres personajes y ambientes mínimos, relato en tiempo real y varias inteligentes observaciones dramáticas.

Mayo 10, jueves. A las 17.30, 19.30 y 21.30 hs.

ESCUELA DE ROCK

(School of Rock)

Dir: Richard Linklater
EEUU 2003 -109 min. (Digital).
Con Jack Black, Joan Cusack, Mike White

La sociedad de los poetas muertos en versión rockera, con la inmensa ventaja de la ausencia de Robin Williams. El maestro Jack Black genera una saludable subversión, entre humor, energía y bastante música. Hay gente que la ha convertido en una suerte de portaestandarte, pero también exageran.

Mayo 11, viernes. A las 18, 19.30 y 21 hs.

ANTES DEL ATARDECER

(Before Sunset)

Dir: Richard Linklater
EEUU 2001 -80 min. (Digital).
Con Ethan Hawke, Julie Delpy.

La pareja de Antes del amanecer se reencuentra en París una década después, y ciertos fuegos vuelven a encenderse. Un finísimo tranche ve registrado casi en tiempo real, en planos largos y elegantes, con una perfecta integración de personajes y entorno. Todo parece casual pero está pensadísimo. Y es magistral. La trilogía se completará con la inferior Antes de la medianoche.

Mayo 12, sábado. A las 17.25, 19.30 y 21.35 hs.

LOS OSOS DE LA MALA SUERTE

(The Bad News Bears)

Dir: Richard Linklater
EEUU 2005 -113 min. (Digital).
Con Billy Bob Thornton.

Un entrenador en decadencia debe poner en vereda al peor equipo de béisbol infantil y llevarlo a la final. El asunto ya había sido filmado con Walter Matthau y no hacía falta repetirlo, pero el resultado es razonablemente divertido si uno no se toma las cosas demasiado en serio.

Mayo 13, domingo. A las 17.25, 19.30 y 21.35 hs.

FAST FOOD NATION

(Fast Food Nation)

Dir: Richard Linklater
Reino Unido 2006 -113 min. (Digital).
Con Gregg Kinnear, Ethan Hawke, Kris Kristofferson.

Algo huele mal en la comida chatarra, y el investigador del caso averigua cosas muy inquietantes. Por atrás del cuestionamiento de una industria corre la vitriólica metáfora de una sociedad, examinada con un espíritu autocrítico que pocas sociedades pueden permitirse. Somos lo que comemos, dice el film, y eso no es bueno.

Mayo 14, domingo. A las 17.40, 19.30 y 21.20 hs.

UNA MIRADA EN LA OSCURIDAD

(A Scanner Darkly)

Dir: Richard Linklater
EEUU 2006. -100 min. (Digital).
Con Gregg Kinnear, Ethan Hawke, Kris Kristofferson.

Nueva experiencia de Linklater con el rotoscope, aquí a partir de una historia del especialista en ciencia ficción Philip K. Dick (Blade Runner, El vengador del futuro) La historia se enreda por momentos pero el despliegue formal es sugestivo y por momentos deslumbrante.